Этот текст обращен не к художникам, не к профессионалам, а к публике. Не к тем, кто с вызовом практически бравирует своим незнанием, оборачивая его в одежды здравого смысла, а к тем, кто хочет понять, кто заинтригован, кто открыт. Понятно что не существует и не может быть текста прочитав который вы все поймёте, я постараюсь дать что-то вроде очень прагматичной инструкции, как действовать что бы понимать.
Начнем с вкуса. Слишком многие в комментах пишут что вкус - тот самый единственный критерий которому они доверяют. Нельзя игнорировать.
Конечно же ваш вкус это не критерий оценки, а личное пристрастие к определенному искусству. Когда он развит - это мощный инструмент. Концентрация зрительского опыта.
Здесь самое интересное - понять как он сформировался и как меняется со временем. Но по порядку.
Все искусство любить невозможно. Оно очень разное и зачастую современные художники исповедуют прямо противоположные концепты, по разному отвечают на вопрос «что такое искусство?» «Каково место современного художника». Логично было бы изучить предъявленное нам искусство максимально широко и потом выбрать «это мое». Не всех художников а все разнообразие искусства. Но на практике вкус формируется случайно в детстве, при первой встрече. То есть вкус у любого человека изначально не развит. Развивать вкус - это работа.
Иногда не для одного даже зрителя, а для коллективного зрения. Хрестоматийный пример - сегодня в архитектуре «ржавленное железо» очень популярно и используя его создают очень эстетские здания, но это итальянские художники АртеПовера и особенно Янис Куннелис научил мир видеть красоту железа, угля, необработанных, грубых поверхностей. Без этого зрительского опыта мы бы считали эти здания уродскими.
Вернемся к неискушенному человеку с ярко выраженным вкусом.
Вот он сформировался, он уже есть. В юности попался альбом Сезанна и человек всю живопись оценивает по тому, насколько она «сезанистая». Как с этим быть. Как преодолеть предопределенность юношеского опыта? Вам кажется что ваш вкус это ключ к пониманию искусства , а он наоборот, замок. Он пытается ограничить пространство того что является искусством для вас. Ниже несколько моих советов. Своеобразных ключей:
1. Главный ключ любопытство. Поэтому первый совет: ходите на обзорные выставки. Например «современное искусство Китая» или «видеоарт в 20 веке» или «молодые художники Берлина» на таких выставках любопытство является главным стимулом. Вы интересуетесь: «А какое оно, это китайское искусство?», а не выбираете: «О, вот это я себе повешу на стенку или нет». Так же как путешественник говорит себе «о, вот там я еще не бывал, поеду» так и вы должны заполнять пустоты, смотреть много и разного. Тогда к радости при встрече со знакомым добавится радость открытия нового.
2. Уйти от вопроса: "Это искусство или нет?"
Надо перестать мучиться вопросом — это искусство или нет. Просто воспринимайте работы художников непосредственно. Интересно или нет? Впечатляет или нет? Заставляет задуматься, включает воображение и т. д. Вообще, «искусство или нет» — это ложный вопрос. Когда мы делали в Перми выставку «Русское Бедное», где были собраны работы больших художников, но созданные из бросовых материалов. Первая реакция публики была такой: «Как классно, но это не искусство, потому что…» — и далее следовали аргументы. Однако как только этот вопрос был снят (как — отдельная история), эта выставка и художники, в ней участвующие, стали любимыми. Вопрос о том, что искусство а что нет, ставится художниками ежесекундно и границы эти постоянно перемещаются. Некоторые считают что только разговор о границах, только пограничные работы, и есть настоящее современное искусство. Но Для зрителя это досужий вопрос. Мы должны быть открыты и рады увидеть искусство в каждом жесте художника.
3. Становиться соавтором
Продолжаю историю с выставкой «Русское Бедное»: среди аргументов тезиса «почему это не искусство» на первом месте было «я тоже так могу». Но через некоторое время пермяки стали присылать фотки собственных «поделок», спрашивая: «А это искусство тогда?». Это очень важно, переход от «я тоже так могу — это не искусство» к «я тоже так могу, я тоже художник». Дело в том, что, в отличие от художников прошлых эпох, которые старались соблюдать дистанцию с публикой, оставляя зрителям лишь возможность восхищаться (я гений — а ты обыватель), современный художник сошел с пьедестала и говорит с публикой на равных. А главное — то, что он еще и оставляет публике часть творческой работы. Поэтому третий совет полностью звучит так: станьте отчасти соавтором работы художника, найдите в себе творческий импульс. Например многие минималистические проекты предполагают в зрителе буквально равное партнерство с художником. Собственно, это давняя игра, когда зритель «угадывает» продолжение линии и дорисовывает образ в своем воображении.
4. Посещать "мегасобытия"
Современное Искусство «контекстуально». Критерии можно изучать в библиотеке, а в контексты надо — погружаться. Поэтому мой четвертый совет — начните посещать мегасобытия, в которых показывается сразу много искусства, чтобы ощутить контекст и почувствовать себя знатоком. Посетив две подряд «Венецианских Биеннале», одну «Документу» и парочку-тройку ярмарок, вы узнаете авторов, помните фамилии. Сравниваете, оцениваете. Две главные радости зрителя - узнавать знакомое (я этого художника помню, видел его работы там-то тогда-то) открывать новое (по моему это что-то совсем новое, такого я не видел).
5. Интересоваться бэкграундом
Я перескажу один скетч от художника Дмитрия Гутова, который, как мне кажется, может кому-то помочь осознать контекстуальность современного искусства. Несколько лет назад в Москве были огромные очереди к плащанице Иисуса в храме Христа Спасителя ? По большому счету, это старая грязная тряпка. Ничего красивого или умного в ней нет. Но за ней стоит мощнейшая, подлинная история. То есть сам артефакт — его эстетические свойства — в данном случае не важны. Важен бэкграунд. Люди будут стоять ночами в очереди, целовать тряпку, погружаться в эйфорию от одной мысли, что ее касался Христос. Конечно для нас (тех, кто увлечен современным искусством), история искусства — это невероятно важная часть истории человечества. Она не менее драматична, чем история войн, история религий. И поэтому восхищение вызывает иногда то, насколько произведение искусства поменяло само искусство. И когда мы говорим о Марселе Дюшане, Казимире Малевиче и Ван Гоге, мы постоянно держим в голове то, какой великий вклад они сделали, как сильно повлияли на других художников.
6. Общаться с художниками
Этот пункт был самым важным для меня, это мой случай. Поэтому он будет более развернутым. Вначале расскажу недавнюю историю. В Черногории по воскресеньям мы устраивали «открытые мастерские»: мы предоставляли художникам мастерские бесплатно, но с условием, что по воскресеньям они открывают двери, принимают посетителей, делают мини-выставки. Можно было за пару часов мастерских 20 посетить. И вот один посетитель, немец лет 60-ти, подходит ко мне и говорит: «Я, наконец, понял это современное искусство. Это так круто!» Я его спрашиваю: «А ты что, в музеи не ходил?» Он отвечает: «Как же не ходил, у меня дочь искусствовед, много ходил, но я ни разу с художниками не разговаривал».
И действительно, лучшие кураторы которых я знал всегда ходили по мастерским. Получается, музеи стали эдакими «перегородками» между художником и зрителем. Но посетив 30 мастерских, поверьте, вы поймёте в целом как устроен художественный мир. У меня в связи с этим идея «живого музея». В других музеях вам показывают искусство а мы научим его понимать. Может удастся в Кишиневе реализовать.
У меня самого получилось так, что я работая в театре студентом вначале влюблялся в художников как в личностей, и как результат уже в их искусство. И потом, будучи галеристом, я всегда говорил: мы работаем с художниками, а не с предметами. Моими главными советчиками были художники. Первые шесть лет работы галереи, каждый месяц новая выставка, у меня было 50 учителей. Понять их. Как они мыслят. Это удивительное приключение. Из тех кто в фэйсбуке советую Юрий Альберт - он постоянно ставит вопросы «от имени зрителя» и отвечает на них.
7. Тратить деньги на искусство
Один из способов полюбить — «вложиться». И мой седьмой совет — начать покупать искусство. Когда я был директором музея, У нас был один спонсор, который хотел из меркантильных соображений сделать подарок музею (познакомиться с губернатором) . Я ему обозначил список имен художников, чьи работы нас интересуют, а дальше он мог выбирать сам. Человек впервые должен был выбрать искусство и заплатить за него реальные деньги. Это оказалось сложнейшим делом, но в результате работы того художника, которого он выбрал, стали началом и личной коллекции.
8. Конечно, есть и прямой путь - образование
С детства ходить в музеи, слушать лекции и тому подобное. Но это неинтересный совет, ведь это и так понятно. Но особенно эффективно там, где ваши представления об искусстве входят в противоречие с увиденным. Я, например, в 1988 году впервые столкнулся с работами Ильи Кабакова. Потом мы много сотрудничали, а тогда, то что я увидел было прямо противоположно тому, что я понимал под искусством. Как все советские интеллигенты, я любил импрессионистов. Из современников любил открытую живопись, чтобы можно было долго рассматривать крупные мазки, наслаждаться случайными наплывами краски прямо из тюбика и тут сухой рисунок Кабакова, под линейку. Это было вообще не искусство в моем представлении. Но вокруг все говорили, что это «русский номер один» и я усомнился в себе настолько , что пошел учиться. Я к тому, что учиться классно не в школе, а уже взрослым, когда «жизнь заставила».
Кстати, листы из этого альбома я потом купил. Через 30 лет.
9. Приобщаться к современному вместе с человеком, который вам нравится
Очень хорошая идея: смотреть искусство вместе с человеком, который любит это искусство, и который вам симпатичен. Такой себе Вергилий! Я собираю такие группы из друзей и знакомых и мы вместе посещали Венецианское Биеннале, Арт-Базель. Здесь важен настрой не спорить с услышанным, а понять. Пусть даже не всегда согласиться, но понять. Очень хорошо работает.
10. Перестать сравнивать прошлое и настоящее в искусстве
Как говорится, «Last but not Least» — следует перестать противопоставлять искусство прошлого и современное искусство. Мол, «вот тогда,. а сейчас…». Искусство принадлежит времени, отображает время. Любить современное искусство — значит любить себя, свою жизнь. Время в котором вы живете. Я просто гарантирую вам, что жизнь коллекционера старого искусства много скучней и однообразней, чем жизнь тех кто собирает современников. Лучшего увлечения просто не существует.
Ps на фото Кабаков из моей коллекции.
